Quelle est l’évolution des autoportraits de Picasso dans ses différentes périodes ?

Célèbre artiste du XXe siècle, Pablo Picasso est un créateur de longévité d’exception qui a bouleversé l’art moderne avec sa passion, son intelligence et sa curiosité. Très talentueux, Picasso est à la fois dessinateur, peintre et sculpteur. Tout au long de sa carrière, il a essayé différents styles artistiques.

Du pouvoir du bleu à la belle période rose

En 1896, à 15 ans, Pablo Picasso a réalisé son premier autoportrait dans un style réaliste. Sa peinture est assez classique avec des contenus exprimés de différentes couleurs. L’année 1901 marque le début des périodes Picasso avec sa période bleue, traduisant sa résistance à la souffrance humaine. Commence alors la peinture des scènes plus sombres avec des tons bleus comme la « Femme en bleu » ou l’auto-portrait périodes Picasso bleu appelé « Autoportrait en bleu ». Puis, en 1904, l’artiste passe par la période rose, marquée par l’utilisation des teintes plutôt rougeâtres, évoquant l’amour et la joie. Le rose a, pour lui, plus de significations festives adoucies de la tendresse. C’est la période où Picasso a privilégié le travail sur le trait et le dessin au lieu de la couleur, notamment sur l’Autoportrait à la palette.

La naissance de l’art moderne : le cubisme

De ses diverses découvertes et rencontres s’introduit la géométrisation dans l’auto-portrait périodes Picasso. Cette représentation géométrique est mise en valeur dans ses œuvres sous la forme d’une fragmentation, afin de se tendre vers le cubisme. De là est né l’art moderne, en 1907, par le légendaire Pablo Picasso, avec Les Demoiselles d’Avignon, cassant catégoriquement les traditions artistiques. Son fameux Autoportrait à la mèche est suffisamment réaliste avec les formes géométriques comme un visage triangulaire, d’éminents yeux elliptiques et des traits crayonnés par ceux du visage, la mèche de cheveux ainsi que les replis des habits. Les figures et les natures mortes témoignent de l’explosion des volumes conduisant à un agencement de plans ainsi qu’à une perception générale de la toile. C’est l’époque des limites de l’abstraction, favorisant surtout les couleurs nuancées de camaïeux bruns et gris.

Le retour au classique et mélange de styles

Entre la géométrisation fragmentée, le néoclassicisme, le surréalisme et beaucoup d’autres, la star du cubisme est vraiment difficile à suivre dans son art, car il n’a cessé de changer de style pictural en fonction de ses tracas, de ses drames, de ses rencontres et de ses amours. D’une époque à l’autre, on observe un changement de couleurs, de formes et de traits. Et après avoir passé plusieurs années à briser toutes les normes artistiques existantes, il est revenu naturellement à ses racines classiques en ajoutant, à chaque fois, une petite touche personnelle. Il ne fait aucun doute que la vie heureuse et épanouissante, avec son entrée dans la bourgeoisie, a changé sa vision des choses. L’autoportrait face à la mort de 1972 signe la fin d’auto-portrait périodes Picasso.

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